Vom Sneaker zum Spitzenschuh

In sei­ner zwei­ten Staats­opern-Pre­mie­re be­geg­net das Wiener Staatsballett drei au­ßer­ge­wöhn­li­chen Tanz­künst­ler*in­nen. Justin Peck, Wayne McGregor und Twyla Tharp er­for­schen das Bal­lett und des­sen Mög­lich­kei­ten in Be­we­gung auf in­di­vi­du­el­le Art und Wei­se und las­sen so Visionary Dances für ei­ne zeit­ge­nös­si­sche Bal­lett­kunst ent­ste­hen.

Um ei­ne Kunst­form in der Ge­gen­wart oder gar Zu­kunft zu eta­blie­ren, muss man sich mit ih­rer Ver­gan­gen­heit aus­ein­an­der­set­zen. Das Bal­lett und der Tanz be­sit­zen ein rei­ches Er­be, das wie­der­um in­spi­riert und ei­ne auf­re­gen­de Ba­sis für die Kunst der Cho­reo­gra­fie im Heu­te sein kann. So scheint es nur fol­ge­rich­tig, dass der neue Bal­lett­abend Visionary Dances mit dem Werk ab­schließt, das nach sei­ner Pre­mie­re 1986 zu ei­nem iko­ni­schen Stück im Bal­lett­ka­non wur­de und 2026 sein 40. Ju­bi­lä­um fei­ert: Twyla Tharps In the Upper Room. Als ei­ne der wich­tigs­ten zeit­ge­nös­si­schen Cho­reo­gra­fin­nen hat sich Tharp seit Be­ginn ih­rer Kar­rie­re in den 1970er-Jah­ren ein viel­sei­ti­ges Œu­vre er­ar­bei­tet, das nicht nur Cho­reo­gra­fien für pu­re Tän­ze be­inhal­tet, son­dern auch für Hol­ly­wood-Fil­me, den Broad­way und Eis­kunst­lauf.

»Tharps viel­fäl­ti­ge cho­reo­gra­fi­sche Er­schei­nungs­for­men – als ra­di­ka­le Avant­gar­dis­tin Mit­te der 1960er-Jah­re und spä­ter als ers­te ›mo­der­ne‹ Tän­ze­rin, die für das Bal­lett, für das Mu­si­cal und für das Eis­kunst­lau­fen cho­reo­gra­fier­te – for­der­ten die An­nah­men der Hoch­kul­tur über die Rol­le der Künst­le­rin als be­son­ders fein­füh­li­ge Zeu­gin der Wahr­hei­ten mensch­li­cher Exis­tenz her­aus. Ihr selbst pro­kla­mier­tes In­ter­es­se am ›Bet­teln, Lei­hen und Steh­len‹ so­wie ihr sub­ver­si­ves Ex­pe­ri­men­tie­ren mit den Aus­drucks­for­men der Po­pu­lär­kul­tur ho­ben sie als re­bel­li­sche Be­grün­de­rin ei­ner neu­en hy­bri­den Form des Tan­zes her­vor«, schreibt Susan Foster in The Signifying Body: Reaction and Resistance in Postmodern Dance.

Da­mit ver­weist Foster auf Tharps Ge­spür, Gren­zen in kom­ple­xen cho­reo­gra­fi­schen Be­ar­bei­tun­gen di­ver­ser Be­we­gungs­mo­ti­ve aus­zu­lo­ten und den Kör­per als ex­pres­si­ves Aus­drucks­mit­tel zu ver­ste­hen. Schritt­ma­te­ri­al aus dem All­tag wie das Ge­hen, der Mo­der­ne Tanz, das Bal­lett, Jazz- und Stepptanz und so­gar Sport­ar­ten – et­wa das Bo­xen – fan­den so Ein­klang in ihr reich­hal­ti­ges Be­we­gungs­vo­ka­bu­lar, wel­ches die Seh­er­fah­run­gen und äs­the­ti­schen Vor­stel­lun­gen des Pu­bli­kums nach­hal­tig ver­än­dert hat.

In the Upper Room, ur­auf­ge­führt mit ih­rer ei­ge­nen Com­pa­gnie Twyla Tharp Dance, ist ein Ex­em­pel par ex­cel­lence für Tharps Tanz­kunst: Zu der gleich­na­mi­gen Auf­trags­kom­po­si­ti­on von Philip Glass trifft in die­ser Cho­reo­gra­fie Klas­sik auf mo­der­ne Ath­le­tik, Spit­zen­schuh auf Snea­ker, ro­he Kraft auf au­ßer­ge­wöhn­li­che Gra­zie – all das ge­prägt von un­ge­mei­ner Kör­per­lich­keit und Le­ben­dig­keit. Die Idee da­hin­ter ist ein­fach: ei­ne cho­reo­gra­fi­sche Un­ter­su­chung von ge­gen­sätz­li­chen Ele­men­ten auf ei­ner Büh­ne in­ner­halb ei­nes Wer­kes. Das be­trifft nicht nur das Vo­ka­bu­lar des Bal­letts und des mo­der­nen Tan­zes, son­dern auch Ent­schei­dun­gen über Rich­tun­gen, Be­we­gungs­ar­chi­tek­tur und emo­tio­na­le Zu­gän­ge. Die trei­ben­den Rhyth­men von Philip Glass füh­ren so zu ei­nem be­rau­schen­den Tanz, der in sei­ner in­sze­nier­ten »Lo­cker­heit« vor al­lem von ei­ner cho­reo­gra­fisch-ma­the­ma­ti­schen Prä­zi­si­on ge­prägt ist.

Auch der ame­ri­ka­ni­sche Cho­reo­graf und zwei­fa­che Tony Award-Preis­trä­ger Justin Peck, des­sen Werk erst­mals mit dem Wiener Staatsballett auf­ge­führt wird, fühlt sich zu ei­nem in­ter­dis­zi­pli­nä­ren Ar­bei­ten hin­ge­zo­gen. 2014 als zwei­ter Cho­reo­graf in der Ge­schich­te des New York City Ballet zum Resident Choreographer die­ses re­nom­mier­ten En­sem­bles er­nannt, hat er sich seit­her nicht nur im in­ter­na­tio­na­len Bal­lett­kos­mos ei­nen Na­men ge­macht, son­dern auch er­folg­reich für den Film und am Broad­way in­sze­niert und cho­reo­gra­fiert:

»Ich ha­be das Glück, dass der ge­mein­sa­me Fak­tor in all die­sen Din­gen der Tanz ist und, sei es Thea­ter oder Bal­lett, die­ser ist ei­ne Spra­che, die ich zu spre­chen weiß. Die Aus­drucks­fä­hig­keit der an­de­ren Gen­res hat mich schon im­mer fas­zi­niert. Ich bin mit Broad­way-Shows und Mu­si­cals auf­ge­wach­sen und ha­be na­tür­lich auch vie­le Fil­me ge­se­hen, so­dass es mich sehr in­spi­riert, an der Ent­ste­hung von Wer­ken aus an­de­ren Gat­tun­gen teil­zu­ha­ben. Ich mag es nicht, nur ei­ne Sa­che zu ma­chen. Die Viel­falt der Ar­beit ist es, die mich kre­a­tiv am Le­ben hält. Die ver­schie­de­nen Küns­te glei­chen sich ge­gen­sei­tig aus und ich ler­ne viel von je­dem ein­zel­nen Gen­re, das ich in das nächs­te ein­brin­gen kann. Sie al­le funk­tio­nie­ren ein biss­chen an­ders und ich lie­be die­sen ge­gen­sei­ti­gen Ein­fluss.«

Pecks Cho­reo­gra­fien sind un­ver­kenn­bar und ge­prägt von ei­ner Ori­gi­na­li­tät, Leich­tig­keit und Fri­sche, oh­ne je­mals ba­nal oder ein­fach zu sein. Mo­dern an­mu­ten­de Bal­lett­be­we­gun­gen tref­fen in sei­nen Wer­ken auf ei­ne hoch­mu­si­ka­li­sche Kom­ple­xi­tät. Und auch in Pecks Werk­ver­zeich­nis fin­det sich – viel­leicht von Twyla Tharp oder dem ehe­ma­li­gen Associate Artistic Director des New York City Ballet Jerome Robbins in­spi­riert – der ei­ne oder an­de­re Turn­schuh, der sich un­ter die Spit­zen­schu­he mischt.

Sei­ne Kre­a­ti­on Heatscape, 2015 für das Miami City Ballet ent­stan­den, er­öff­net das Triple Bill Visionary Dances und läu­tet ei­nen Abend vol­ler sprü­hen­der En­er­gie ein. In­spi­riert von den mit Street Art be­stück­ten Stra­ßen im Wynwood Art District in Miami, die sich vi­su­ell vor al­lem im Büh­nen­bild des Künst­lers Shepard Fairey wie­der­fin­den, lässt Peck sei­ne Tän­zer*in­nen vor ei­nem gro­ßen, farb­in­ten­si­ven Pro­spekt, der den ge­sam­ten Büh­nen­hin­ter­grund ein­nimmt, er­wa­chen. Als ob das Kunst­werk sie zum Le­ben er­weckt oder zu­min­dest zum Be­we­gen in­spi­riert, cho­reo­gra­fiert Peck zum Kon­zert für Kla­vier und Kam­mer­or­ches­ter Nr. 1 des tsche­chi­schen Kom­po­nis­ten Bohuslav Martinů gro­ße, schnel­le und har­mo­ni­sche En­sem­ble­sze­nen in geo­me­tri­schen For­ma­tio­nen – »Li­ni­en, Krei­se und Grup­pen ent­ste­hen an un­ter­schied­li­chen Stel­len und in ver­schie­de­nen Win­keln auf der Büh­ne und set­zen da­bei ein­drucks­vol­le Ak­zen­te« – ge­nau­so wie ei­nen in­ti­men, an die ver­gäng­li­che Ro­man­tik er­in­nern­den Pas de deux.

Der Mit­tel­teil von Visionary Dances wid­met sich dem bri­ti­schen Cho­reo­gra­fen Wayne McGregor. Be­reits sei­ne Cho­reo­gra­fie Eden | Eden sorg­te 2017 für Stau­nen in der Wiener Staatsoper. Nun taucht das En­sem­ble des Staatsballetts mit Yugen in ei­ne ganz an­de­re Welt, kre­iert durch den Cho­reo­gra­fen, ein: Yugen evo­ziert ei­ne wech­sel­haf­te Schön­heit durch ein­fa­che Mit­tel. Die­ser aus der ja­pa­ni­schen Äs­the­tik ab­ge­lei­te­te Be­griff steht für das Werk, das je­ne ge­heim­nis­vol­le, tie­fe An­mut durch die Be­zie­hun­gen von elf Kör­pern auf der Büh­ne er­forscht. In­spi­riert von Leonard Bernsteins ein­drucks­vol­len Chichester Psalms schuf Wayne McGregor in Zu­sam­men­ar­beit mit dem Ke­ra­mik­künst­ler und Au­tor Edmund de Waal ei­ne kla­re, re­du­zier­te Büh­nen­äs­the­tik, er­gänzt durch Kos­tüm­ent­wür­fe von Shirin Guild und ein Licht­de­sign der lang­jäh­ri­gen Weg­ge­fähr­tin Lucy Carter.

Bernsteins le­bens­be­ja­hen­de Kom­po­si­ti­on – ei­ne ek­lek­ti­sche Mi­schung aus he­bräi­schen Tex­ten, Broad­way-Jazz und christ­li­cher Chor­mu­sik – lie­fer­te McGregor je­ne In­spi­ra­ti­on, dem Un­er­gründ­ba­ren und ge­heim­nis­voll-sub­ti­len Schö­nen, das in je­dem Kör­per steckt, durch den Tanz ei­ne Form von Vi­sua­li­sie­rung zu ge­ben: »Es ist ein au­ßer­or­dent­lich kraft­vol­les Werk, es ist or­ga­nisch und er­mög­licht ei­ne Flüs­sig­keit im Kör­per, ei­ne wei­che und fein­sin­ni­ge Be­zie­hung zur Be­we­gung, die sich im Ver­lauf des Stücks stän­dig ver­wan­delt«, sagt der Cho­reo­graf über sei­ne Mu­sik­aus­wahl.

Wayne McGregor, 2024 von Kö­nig Charles III. zum Rit­ter ge­schla­gen, zählt un­an­ge­foch­ten zu den weg­wei­sends­ten und ein­fluss­reichs­ten bri­ti­schen Cho­reo­gra­fen. Mit sei­nen ra­di­ka­len, gen­re­über­grei­fen­den In­no­va­tio­nen hat der Künst­ler die Spra­che des zeit­ge­nös­si­schen Bal­letts nach­hal­tig ver­än­dert. Aus­gangs­punkt sei­ner Ar­beit ist da­bei stets ei­ne un­er­müd­li­che Neu­gier auf Be­we­gung – auf ih­re Struk­tur, ih­re In­tel­li­genz, ihr kre­a­ti­ves Po­ten­zi­al. Die­ses In­ter­es­se führt McGregor im­mer wie­der in pro­duk­ti­ve Grenz­be­rei­che zwi­schen Kunst, Wis­sen­schaft und Tech­no­lo­gie, aus de­ren Dia­lo­gen dann viel­schich­ti­ge, oft über­ra­schen­de Ar­bei­ten ent­ste­hen, die seit mehr als drei Jahr­zehn­ten Maß­stä­be in der in­ter­na­tio­na­len Tanz- und Per­for­mance-Land­schaft set­zen.

Vom Snea­ker zum Spit­zen­schuh –
Visionary Dances zeigt, wie le­ben­dig das klas­si­sche Vo­ka­bu­lar im Dia­log von Ver­gan­gen­heit und Ge­gen­wart ist und im­mer blei­ben wird.